POP-ART

Roy Lichtenstein – Takka Takka

El pop-art es un movimiento artístico que surge en 1960 en Estados Unidos, desplazándose allí el centro neurálgico del arte, donde se alcanzaron los resultados más llamativos. Los artistas se inspiraron en imágines y temas del mundo de la comunicación de masas, pero dándoles un trato irónico y crítico.
Roy Lichtenstein es uno de los principales autores del pop-art, quien se caracterizó por experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas, sacadas de los cuadros del viejo oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington.
Su serie más famosa apareció en la década de 1960, cuando presentó una serie de piezas que partían de imágenes tomadas del mundo del cómic, presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras.

Lichtenstein transmite la noción de las consecuencias reales que produce un estallido repentino de violencia, aunque solo tenga lugar en la imaginación del espectador en forma de violencia del medio. En esta obra “Takka Takka” se expresa el impacto de una locomotora al pasar y esto se refleja con la intensidad de los colores, las formas simples y claras del dibujo tipo cómic y el uso de onomatopeyas y texto que dan más credibilidad a la escena. En definitiva, el autor quiere transmitir al espectador una escena cotidiana que impacte por su gran sonido o repercusión en el medio y a la misma vez refleje los avances tecnológicos y la evolución de la sociedad y las personas con respecto a ellos.
Desde un punto de vista más personal opino, que el Pop-art es una forma de arte innovadora que hace reflexionar a los espectadores sobre el tema de la obra, ya que suele ser actual. Además, la particularidad de Lichtenstein, de adoptar formas del cómic para expresar sus ideas e impactar al espectador es muy original y concuerda positivamente con el origen y la finalidad de este movimiento artístico.

SURREALISMO

Max Ernst - La pubertad cercana o Las Pléyades

El surrealismo es un movimiento artístico surgido en Francia en la década de 1920, que buscaba lo irracional e inconsciente a través del mundo de los sueños, que muestra unos elementos carentes de lógica y cuyo significado refleja los impulsos más escondidos del ser humano.
Max Ernst fue un artista alemán nacionalizado francés considerado figura fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable, utilizando una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.

La pubertad cercana o Las Pléyades es una obra de Max Ernst que contrapone la imagen y el texto. El extenso comentario que aparece al pie de la representación está relacionado con ella y condiciona el acceso a la imagen que por su heterogeneidad escapa a la comprensión espontánea.
Involuntariamente se relaciona la gracia de las Pléyades, eran las siete hijas del titán Atlas y la ninfa marina Pléyone, nacidas en el monte Cileno y eran ninfas en el cortejo de Artemisa, compartiendo la afición por la caza e intentando mantener su virginidad, al igual que ella; con la figura femenina desnuda y sin cabeza, recortada de una fotografía, del centro del cuadro.
Al observar a simple vista la imagen nuestra mirada se centra angustiadamente en el adoquín a punto de caer, que encuentra un punto de apoyo en el trozo de piedra de la parte inferior de la representación, que ha dejado una huella negra.
Finalmente, la fuerza de gravedad se relaciona con el fondo azul del cuadro, que puede asignarse tanto al cuerpo femenino suspendido en el aire como al movimiento de las olas nombrado en el texto del inferior de la obra.
Es importante destacar que el nombre de las hermanas, Pléyades, tiene su origen probablemente en la palabra peleiades, 'bandada de palomas', de modo que los vagos perfiles de la parte superior del collage podrían interpretarse como aves en pleno aleteo.
Los rasgos característicos del surrealismo en la obra se aprecian al mirar en dirección a un universo en el que rigen las leyes del sueño y del subconsciente. En esta forma originaria de la sensación y de la percepción no existen ni la fuerza de gravedad ni los perfiles precisos. De pronto aparecen juntos objetos de la más diversa textura. Por lo que habrá que alcanzar una perspectiva de mayor distancia temporal para concluir que está apareciendo la nueva estética de la ruptura estilística premeditada, de la alusión, de la descomposición y de la desintegración.
Desde un punto de vista más personal opino, que los contraste de la obra y la aparición de una composición irreal que carece de sentido lógico dan rienda suelta a la imaginación de los espectadores y proporcionan un mayor nivel emocional y de libertad a la obra.

FUTURISMO

Humberto Boccioni – Formas únicas de la continuidad en el espacio

El futurismo es un movimiento artístico que nació en Italia a principios del siglo XX, concretamente en 1910, uniendo a un grupo de jóvenes artistas inconformistas que proclamaban la muerte del arte pasado y el nacimiento del arte futuro. Por lo que es un movimiento que rompe con las formas del arte anteriores y se caracteriza por un intento de captar la sensación de movimiento.
El máximo representante del futurismo es Humberto Boccioni, quien ha expresado magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia en sus obras, dejando su estilo bien marcado. Aunque este artista se ve fuertemente influenciado por el cubismo, siempre ha evitado la línea recta y ha utilizado los colores complementarios para crear un efecto de vibración. Se caracteriza por utilizar la pintura para transmitir sus sentimientos, expresando los estados de ánimo mediante relámpagos de luz, espirales y líneas onduladas dispuestas diagonalmente. Además de expresarse eficazmente con la paleta de colores en mano y un lienzo en frente, ha sabido mostrar su arte por medio de maravillosas esculturas, ya que deseaba mostrar la interacción de un objeto en movimiento con el espacio circundante.

Nos encontramos ante una obra de Humberto Boccioni “Formas Únicas en la Continuidad del Espacio”, concretamente una de las obras más representativas del futurismo.
Si observamos la escultura podemos apreciar la silueta de un ser humano que avanza hacia delante, mirando hacia el futuro. La superficie brillante y pulida del bronce hace que esta figura parezca más una máquina, potenciado por las formas angulares que la componen.
Boccioni además ha acentuado la sensación de espacio y movimiento constante, gracias a la multiplicación de las formas y a que la figura aparece con unas extensiones, a modo de alas o de ropajes movidos por el viento en contra, que permiten al espectador sentir cómo la figura avanza con fuerza, de hecho el motivo esencial de la escultura no es la figura en sí misma o la forma, sino la captación del movimiento y la fuerza. Puesto que estas son las principales características del futurismo.
Respecto a la elaboración de la obra cabe destacar que fue esculpida en Bronce, ya que el autor prefería materiales consistentes y resistentes, y tiene 126, 4 centímetros de altura. Actualmente la obra se encuentra en el Museo de arte Moderno de Nueva York.
Desde un punto de vista más personal opino, que esta es una de las obras más representativas del futurismo puesto que se acentúan sus características principales, ocasionando una fácil interpretación de la obra y su período de elaboración.